Los principios de diseño son directrices y consideraciones de diseño ampliamente aplicables que los diseñadores aplican discretamente. Estos son consejos fundamentales para crear diseños visualmente atractivos que tengan sentido para el espectador.
Los principios de diseño representan la sabiduría acumulada de los investigadores y profesionales del diseño, las ciencias del comportamiento, la sociología, la física y la ergonomía, y otras disciplinas relacionadas.
Aunque hablamos de ellos por separado, en la práctica, trabajan juntos para crear un diseño. Se aplican al seleccionar, crear y organizar elementos. Los diseñadores más experimentados entienden cómo los principios se apoyan, refuerzan o incluso contrastan entre sí para crear el efecto deseado. Al aplicarlos, pueden predecir cómo es probable que los espectadores reaccionen ante sus diseños.
Si buscas «principios de diseño», Google mostrará resultados con artículos que incluyen de cinco a más de una docena de principios básicos.
Basado en más de 20 años de experiencia y después de trabajar en miles de diseños, utilizo en mi proceso de diseño diez principios que considero los más importantes a la hora de trabajar en cualquier diseño.
¿Por qué 10 y no los 12 que mencionan la mayoría de los diseñadores? Porque hay dos que considero el resultado de usar otros. Estas son la «proporción» y el «espacio en blanco». No les desmerezco nada. Solo los veo como parte de otro principio de diseño.
Estos son los 10 principios básicos de diseño sin ningún orden (todos son igualmente importantes):
La comparación de objetos en la vida real tiene un peso físico y los elementos de un diseño tienen un peso visual. Los elementos grandes pesan más y los pequeños son más ligeros. Este elemento tiene su propio «peso» en función de la cantidad de atención que atrae.
El equilibrio es la distribución del peso visual de los objetos, los colores, la textura y el espacio (incluidos espacio negativo). El equilibrio visual garantiza que el diseño pese por igual en ambos lados del punto central. Al lograr este equilibrio, se crea una armonía visual y se evita que el diseño resulte demasiado caótico para el espectador.
Es como una báscula: demasiado peso en un lado y todo se desequilibra.
El diseño simétrico utiliza una línea imaginaria para dividir una obra en dos mitades alrededor de un punto central. Los elementos de igual peso visual se equilibran a cada lado del eje para crear simetría.
Hay dos variantes de equilibrio simétrico: simetría reflexiva, donde las dos mitades son imágenes especulares exactas, y simetría traslacional, donde la misma forma o elementos se repiten en ambos lados del diseño.
Una composición asimétrica es cuando un diseño utiliza elementos desiguales. Un lado puede tener un elemento visualmente pesado, equilibrado con varios elementos más ligeros en el lado opuesto. Aún así logra un equilibrio, pero proporciona una experiencia completamente diferente. La asimetría suele ser más atractiva visualmente. Cuando los diseños simétricos pueden ser estáticos y predecibles, el equilibrio asimétrico proporciona una sensación más dinámica.
Es cuando los elementos «irradian» desde un punto en el centro de un diseño. Piensa en los rayos que brillan del sol o en los pétalos de una rosa. Esta forma de simetría es una forma de añadir profundidad y movimiento a un diseño, llamando la atención sobre un objeto en el centro de una composición.
Lo contrario de la similitud es el contraste. A los humanos generalmente les gusta la diferencia. Los diseños que tienen el mismo aspecto son aburridos. Por lo tanto, al experimentar con tonos contrastantes de colores, formas, tamaños, texturas y fuentes, puedes, en gran medida, llamar la atención, controlar el flujo visual y mantener la participación de las personas.
El contraste se produce cuando dos o más elementos de una composición son diferentes. Puede crear efectos específicos, enfatizar la importancia de ciertas características y agregar atractivo visual a sus diseños. Como ocurre con la mayoría de los elementos del arte, se trata de lograr un equilibrio. Se pueden usar varias técnicas para lograr esto, como el uso de colores, fuentes o tamaños. Aun así, es fundamental tener en cuenta que añadir demasiadas variaciones puede confundir a los espectadores (el efecto contrario al que quieres conseguir).
El énfasis es una estrategia que tiene como objetivo llamar la atención del espectador sobre un elemento de diseño específico. Puede ser un área de contenido, una imagen, un enlace o un botón, entre otros.
Este principio de diseño está estrechamente relacionado con el siguiente que mencionaré, «Jerarquía», ya que el objetivo principal de Emphasis es crear un punto focal en el diseño. Este efecto se logra manipulando elementos como el color, la forma y el tamaño para hacer que partes específicas de un diseño destaquen. Vemos que el énfasis se utiliza en la mayoría de los campos del diseño, incluida la arquitectura, el diseño de paisajes y el diseño de moda.
Por ejemplo, quieres llamar la atención sobre una «llamada a la acción» en una página web. Puedes aumentar el tamaño del texto y usar colores que destaquen del fondo para enfatizar la llamada y garantizar que los visitantes no la pierdan.
La información clasificada de la más importante a la menos importante ayuda al espectador a navegar y asimilarla fácilmente. El concepto de jerarquía visual propone que el cerebro humano tiene tendencias organizativas innatas que «los individuos estructuran los elementos en un todo coherente y organizado», especialmente al procesar la información visual.
La jerarquía consiste en organizar el valor de los elementos de un diseño dirigiendo primero la atención del espectador hacia lo más importante.
En el diseño, la jerarquía se usa para: agregar estructura, crear organización visual, crear dirección, agregar énfasis.
Hay varios trucos visuales que ayudan a trazar la ruta de flujo correcta:
Establecer una jerarquía visual clara es importante porque mantiene unido un diseño. Si se usa de manera efectiva, la jerarquía puede simplificar un mensaje complejo.
La proximidad indica que los elementos están conectados o tienen una relación entre sí y se convierten en una unidad óptica que ayuda a organizar o dar estructura a un diseño. El principio de proximidad garantiza que los elementos de diseño relacionados se coloquen juntos. Todas las partes no relacionadas deben estar separadas.
El espacio negativo es bueno. No tengas miedo de agrupar elementos relacionados y usa grandes áreas de espacio para agregar organización y estructura al diseño.
El uso de cantidades variables de espacio negativo para unir o separar elementos es fundamental para comunicar agrupaciones significativas. Un ejemplo de esto es el artículo que estás leyendo. Cada principio de diseño se separa del siguiente utilizando una mayor cantidad de espacio negativo entre cada principio en relación con el espacio negativo utilizado entre cada párrafo dentro de la explicación de los principios.
Esto se debe a que aprovechar la proximidad para crear grupos influyentes se refleja incluso cuando se presenta un contenido de texto básico: las oraciones se agrupan en párrafos separados arriba y abajo por espacios negativos.
Un error típico que cometen algunos diseñadores principiantes es dispersar los elementos por toda la página para asegurarse de que se llenen «los huecos». Esto a menudo se traduce en una proximidad deficiente, ya que los componentes relacionados deben agruparse, lo que facilita al espectador la determinación de las relaciones y conexiones de la información. No dudes en agrupar los elementos relacionados y utilizar grandes áreas espaciales para añadir organización y estructura al diseño.
Uno de los principios más sencillos de entender es la alineación. La alineación es la disposición de los elementos de una página para evitar que se conviertan en un desastre total. La alineación de los elementos crea una conexión visual entre ellos y ordena el diseño. Sin alineación, los elementos parecen no tener sentido de dirección y se desmoronan. Es esencial incorporar este principio en su diseño de manera constante.
La alineación es la colocación de los elementos visuales para alinearlos en una composición. En el diseño, utilizamos la alineación para organizar los elementos, para crear una estructura y, junto a la proximidad, para crear conexiones entre los elementos, obteniendo un resultado claro. Por lo general, la alineación es una línea invisible con la que se alinean los elementos, pero también se puede insinuar físicamente. La alineación se puede utilizar para lograr una apariencia particular.
En el diseño, hay dos principios de alineación: alineación de bordes y alineación de centros.
Como su nombre indica, la alineación de los bordes se refiere a la ubicación del contenido en los bordes de cualquier página o lienzo. Todo permanece en el borde, ya sea que los elementos se coloquen a la derecha, a la izquierda, en la parte superior o inferior de la página. Se denomina alineación horizontal si la alineación del borde organiza los elementos a la izquierda o a la derecha. Sin embargo, si los elementos se colocan en el borde superior o inferior, se denomina alineación vertical.
Este segundo tipo de alineación coloca el contenido en la línea central imaginaria. Tomemos un ejemplo de texto alineado al centro. Cada texto puede tener un ancho diferente, pero cada uno se coloca justo en el centro de la página. La misma regla se aplica a todos los elementos del diseño. Lo curioso es que si la línea central imaginaria va de arriba a abajo, obtenemos la alineación horizontal. Del mismo modo, nuestro contenido se alinea verticalmente si la línea central se extiende a lo largo del plano horizontal de un lado a otro.
Como ya habrás adivinado, la repetición se refiere a cuando un elemento se repite a lo largo de un diseño. Puede ser cualquier cosa, desde usar un color de fuente determinado hasta añadir un patrón repetitivo a una publicación en redes sociales, de una publicación en redes sociales a una publicación en redes sociales (¿entiendes que lo hice?).
La repetición hace que los diseños sean visualmente atractivos y cohesivos. También crea una sensación de coherencia al utilizar un motivo repetitivo que el espectador espera. Esto lo hace particularmente útil a la hora de crear una identidad de marca distintiva.
La identidad de marca es el elemento visible de tu marca. Distingue a su empresa de millones de otras, por lo que cuando las personas ven sus diseños, saben inmediatamente que es su negocio. Todas las empresas exitosas utilizan la repetición. ¿Por qué comparamos la lata azul con Pepsi? Debido a que estas imágenes se repetían con tanta frecuencia, con el tiempo se convirtieron en sinónimo de las marcas que representan.
Por lo tanto, si bien la repetición solo puede ayudarte a crear un bonito fondo de pantalla para tu iPhone, es una herramienta crucial para cualquier empresa que busque crear una identidad visual y un reconocimiento de marca.
En el diseño, el ritmo no tiene nada que ver con la forma en que mueves las caderas. No te preocupes, puedes dejar tus zapatos de baile en casa. El ritmo en el diseño se refiere a una relación entre los elementos que crean una sensación de armonía.
Se trata de dar a tu composición una sensación de acción y movimiento. En lugar de dejar que la mirada del espectador se centre en un punto focal, el ritmo anima a los espectadores a mover sus ojos por toda la pieza, siguiendo las formas de forma natural. Es algo que se refleja en la naturaleza y en las obras de arte.
Hay tres tipos diferentes de ritmo:
Es importante que se dé cuenta de cómo estamos uniendo los principios de diseño de una manera fluida y natural. Crear correctamente el «énfasis» y la «jerarquía» da como resultado un diseño con ritmo. Repito:
En lugar de dejar que la mirada del espectador se centre en un punto focal, el ritmo anima a los espectadores a mover sus ojos por toda la pieza, siguiendo las formas de forma natural.
Uno de mis ejemplos favoritos de ritmo está en «Noches estrelladas» del impresionismo del famoso postimpresionista, Vincent Van Gogh. Las pinceladas violentas ayudan a presentar cambios inestables y dinámicos en el ritmo de sus emociones. Ahora, no pretendo que este artículo te convierta en Van Gogh. Pero espero que puedas ver cómo funciona el ritmo para marcar la pauta, crear una sensación y hacer de la interacción con un diseño una experiencia activa.
Cuando pensamos en movimiento, pensamos en un perro corriendo o en un Ferrari rugiendo en la carretera. Pero en el diseño, no se trata solo de lo que miras, sino de cómo lo ves. El movimiento muestra acción y crea un sentido de dirección dentro de una composición. También sirve como guía para dirigir la mirada de un elemento a otro.
Un buen diseñador puede guiar al espectador mediante el uso de líneas, bordes, formas y colores para crear puntos focales y hacer que los objetos tengan un aspecto determinado.
El recorrido visual puede controlar la progresión de los ojos del espectador dentro y alrededor de la composición. Por ejemplo, el ojo recorrerá un camino real, como una línea continua o punteada. Se moverá por caminos más sutiles, como pasar de elementos grandes a elementos más pequeños, de elementos oscuros a elementos más claros, de colores inusuales a colores incoloros y a formas habituales.
Ten en cuenta que la simplicidad es vital. Usar más de una técnica de movimiento en una composición puede confundir a los espectadores.
No es casualidad que Unity ocupe el último lugar de la lista. La razón: solo ocurre cuando todos los elementos de un diseño coexisten para formar una experiencia holística agradable a la vista.
La unidad se puede interpretar de dos maneras:
La unidad visual añade orden y hace que una pieza parezca un todo coherente en lugar de una combinación desordenada de partes individuales que existen en la misma página.
Para lograr la unidad, debes tener en cuenta tres cosas: si los elementos que has utilizado tienen una buena razón para estar ahí, si funcionan juntos y si el mensaje o el concepto que intentas mostrar se comunica con claridad.
Estos diez principios básicos de diseño pueden inspirarte para llevar tu trabajo creativo al siguiente nivel. No importa lo que estés diseñando, desde un logotipo hasta un sitio web, si te tomas el tiempo para aprender y aplicar estos conceptos, estarás en camino de convertirte en un mejor diseñador.
Recuerde que estos principios de diseño no funcionan de forma aislada o independiente. La combinación de los mismos de forma coherente te da el resultado ideal. El diseño está en constante evolución, por lo que es fundamental que siempre investigues y aprendas lo que hacen otros diseñadores y que pienses en cómo puedes aplicar sus técnicas a tu trabajo.
Ahora, todo lo que queda es ponerse la gorra creativa y ponerse manos a la obra. ¡Feliz creación!
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